第665章 開機拍攝2010年8月10日，《愛樂之城》在洛杉磯開機。
第一個開拍的鏡頭，正是電影裡洛杉磯110號高速公路堵車的畫面。
這個鏡頭，或許對其它地區的人來說沒甚麼，但對洛杉磯的居民來說卻是別有一番味道。
畢竟奧斯卡那些最終評獎的老頭們，就很喜歡這個鏡頭。
其具體位置，在110號加州州道和101號美國國道交匯處。
並且，這段堵車場景不僅展示了洛杉磯的交通狀況，還透過舞蹈和音樂增添了影片的獨特氛圍。
以及男女主角在堵車時初次相遇，這一幕不僅奠定了影片的基調，還致敬了影史經典《八部半》和《名揚四海》等影片。
總是，對於衝獎奧斯卡來說，這是很重要的一個鏡頭。
如果是王樹獨自制片《愛樂之城》，還真不好協調封路取景。
但有派拉蒙出馬，一切就很順利。
當然，就算是封路取景，也不可能長時間封路。
因此，在正式實景拍攝之前，這個鏡頭中的場景已經在其它地方進行了長時間的練習和模擬。
直至有把握之後，再到110號公路上實景拍攝。
不過，王樹沒有託大，還是與達米恩·查澤雷版本的《愛樂之城》一眼，封鎖了105和110這兩條高速公路兩個週末，共四天時間。
拍攝時，劇組使用的是MovieBird搖臂，最大延伸距離為45英尺，即使承載搖臂的Allan Padelford Biscuit Jr.拖車、一直在最左邊的路肩上，攝影鏡頭還是可以覆蓋隔離帶左右的4條車道。
不過，在洛杉磯豔陽下，鏡頭很容易捕捉到搖臂和攝影機投下的陰影。
因此，機位運動軌跡，得重新設計。
出於鏡頭表現需要，連帶編舞也要重新調整。
最後的實拍方案，其實是一種妥協。
本來是六分鐘一鏡到底的場景，不得不分成三個鏡頭完成，後期再用特效“無縫拼接”。
“假長鏡”通常用快速搖鏡頭、來掩飾其真實的剪下點。
比如《愛樂之城》開場這段歌舞，第一個隱蔽切點，出現在開場大約3分鐘處，黃裙女子的旋轉，鏡頭在她旋轉動作之前、就已搖向左邊。
而在接下來連貫的畫面中，黃裙女從道路右側沿攝影機運動方便、跑到前面從右邊入畫。
前兩段都是用搖臂拍的，這第三段則是用的斯坦尼康。
最後，掌機員踏上上升中的吊臂平臺，俯拍公路場景。
除了攝影裝置調整外，劇組同時還根據場地日照規律，選擇拍攝時機。
前兩個車載搖臂拍的鏡頭，都選在上午10至11點間，後一個斯坦尼康鏡頭，則是下午拍的。
分時段重複拍同一小段，比連貫拍三段，掌控的餘地更大，發現舞蹈動作、機位偏差等問題，能及時有效糾正。
在這種考慮下，不多次觀看壓根發現不了的“光影方向不一致”問題，是能夠容忍的不完美。
以高速公路這種公共設施為外景地的另一個挑戰，是拍攝時間有限。
《愛樂之城》劇組，只有兩個週末封鎖拍攝的時間。
第一個週末兩天，主要用來實地排練。
第二個週末，正式拍攝。
如此大的場地、以及眾多演員，為了保證所有人跟上音樂，劇組在這段公路兩側、約150英尺距離內，隱蔽加裝了音箱。
影片編舞曼迪·摩爾老師，實拍時還躲在其中一輛車內，直接人聲協調舞者。
就算如此，第二個週末兩天的實拍，那三段鏡頭，每一段還是都拍了二三十條。
30位專業舞者，外加約120名臨演，最終完成了這段鏡頭。
王樹有嘗試一鏡到底，奈何場地太大，人也太多，再加上時間有限，實在難以完成。
只能退而求其次的運用“假長鏡”。
不僅他如此，達米恩·查澤雷拍《愛樂之城》時，本身也是這般。
雖然是用兩個週末將這個鏡頭拍攝完畢，但並不是兩週僅僅只是拍了這點東西。
週一到週五，再拍其它的內容。
到了週末的時候，再拍這個鏡頭。
《愛樂之城》中的經典取景地除了高速路堵車之外，還有大中央市場，這是電影中米婭和塞巴斯蒂安約會的地點之一，市場內的各種美食和商品讓人流連忘返。
還有好萊塢山大道，這是電影中令人難忘的場景之一，凱茜角位於這裡，距離格里菲斯天文臺不遠，是觀賞城市美景的絕佳地點。
以及雷伊劇院，塞巴斯蒂安的老熟人基思的流行爵士樂隊在這裡演出，劇院裝飾藝術風格優雅。
還有科羅拉多街大橋，演員在雄偉的科羅拉多街大橋上散步，充滿夏日浪漫氣氛，是電影中的經典場景之一。
還有格里菲斯公園，公園內的好萊塢山道上的凱西角是電影中米婭和塞巴斯蒂安共舞的地點，公園內還有動物園、博物館、騎馬步道等景點。
可以說，《愛樂之城》也能算是洛杉磯這座城市的宣傳影片。
而這，同樣能夠滿足美國電影學院那些老頭們的虛榮心，屬於拿獎的因素之一。
原時間線中，《愛樂之城》儘管沒有拿到奧斯卡金像獎的最佳影片獎，但很多人認為這部影片乃是無冕之王。
換句話說，《愛樂之城》比《月光男孩》更有實力拿到奧斯卡的最佳影片獎。
如今換做王樹執導，而他不僅是《愛樂之城》的導演，同樣也是製片人之一。
因此，如果《愛樂之城》能夠拿到奧斯卡的最佳影片獎，亦是與他切身相關的榮譽。
所以，有必要對之進行運作。
只是，既要運作最佳導演獎，又要運作最佳影片獎，難度比較大。
幸好，《愛樂之城》本身是一部極有實力的影片，具有對應的資格。
如果他能將這部影片完美的呈現出來，並且如同原時間那樣引起美國歌舞片的復興，那麼還是很有機會衝獎最佳導演獎和最佳影片獎這兩個大獎。
甚至，艾瑪·斯通也有可能拿到演員獎。
不可否認，現在的石頭姐相比幾年後，演技少了幾年時間的磨礪，有些欠缺。
但，王樹可以對其進行調教。
在他的幫助下，石頭姐在影片中的表現並不是不能提升。而且石頭姐之前也說了，希望王樹嚴厲的要求她，使得在電影中呈現出最好的表演，而不是差不多就行了。
石頭姐會特地向王樹說這番話，就是擔心王樹這位快槍手為了儘快將電影完成而不細究演員的表演。
擔心僅僅只是合格，就算完成。
她想拿獎，因此合格並不是她想要的。
她追求的是趨於完美。
只有這樣，以她的年齡，才有機會衝獎奧斯卡。
不然，頂多就是提名。
還是那句話，在奧斯卡金像獎上，女演員與男演員有所不同。
男演員往往有實力拿獎，卻也陪跑，需要熬資歷，等資歷足夠，再加上恰好主演了一部能夠獲獎的藝術片，獎項到手。
女演員，不用熬資歷。
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奧斯卡史上最年輕的影后，是在21歲時拿獎。
石頭姐今年都22歲了，明年就是23歲。
就算真的拿獎，也不過只是感嘆又多了一位年輕的影后，而不是驚訝她如此年輕就能拿獎。
……
一場夜戲拍完，已經是凌晨。
由於拍夜戲比較辛苦，王樹掏錢請劇組的工作人員們吃宵夜。
當然，花銷來自這部戲的投資。
他是《愛樂之城》的投資方之一，說是他請客，並沒有毛病。
演員們聚在一起吃著夜宵，王樹卻是與攝影師Sandgren等人一邊吃夜宵一邊聊著拍攝相關的細節。
在劇組，Sandgren透過定製Panavision變形鏡頭來拍攝35mm電影，用以創造一個燈火通明的氛圍，這樣很適合演藝事業夢想家在故事中的核心。
賽璐珞膠片還能讓Sandgren從愛瑪·斯通的紅頭髮和藍眼睛與瞠目結舌的服裝設計和紫羅蘭色的城市日落景觀獲取到最好的效果。
用Sandgren的話說：“數字捕捉現實，而電影膠片只是自然地以一種高度，神奇的方式捕捉影像，它看起來更像是現實的印象，也許你還記得它。”
“拍攝電影不是真的懷舊，這是關於捕捉色彩的豐富性，數字影片根本不會給你這樣的效果，除非你在後期製作時新增。”
至於王樹，他在敦促Sandgren拍攝大量的素材，為了防止沒有B機位作為安全的素材備份，或用來快剪。
比如在一個特別迷人的黃昏下拍攝鏡頭，艾瑪·斯通和瑞恩·高斯林連續6分鐘不間斷的在俯瞰洛杉磯的好萊塢山的山脊那裡跳舞。
王樹與Sandgren溝通，需要在最有戲劇性的時刻裡拍攝那個場景。
而這個時刻，正是7:20到7:25之間的黃昏。
按照設計，《愛樂之城》透過角色在月光下的夢想與絢爛的舞蹈表演，與洛杉磯洛城市多元分裂的形態形成對比。
用王樹的話說：“無論是蒼白明亮的白天，還是電燈柱都是城市的一部分。而在晚上，也有令人難以置信的夜空。影片需要捕捉這些美麗，自然與城市，將不可能的組合呈現出來，營造出一種美。”
還是那句話，《愛樂之城》能在奧斯卡金像獎上拿獎，除了電影本身的藝術性之外，還有就是影片中的呈現的洛杉磯的場景讓美國電影學院的老頭們有所共鳴。
而這，在評獎上佔有很大的優勢。
王樹拍《愛樂之城》就是為了衝獎，自然會對電影精雕細琢。
只是精雕細琢，必然會花費大量的時間。
不過現在才8月底，時間還算充裕。
預計10月殺青，以他快槍手的剪輯速度，很快就能將之剪輯成片。
《愛樂之城》作為由他主導的藝術片，不僅選角權在他的手中，剪輯權同樣在他的手中。
日後電影上映，院線版即是導剪版。
《愛樂之城》使用 CinemaScope拍攝，這種格式在50年代被廣泛地使用，之後好萊塢轉換為如今在大多數電影上看到的：1寬高比。
為了適應近距離變焦的場景，王樹還找Panavision專門設計了一個40mm變形鏡頭，具有23cm的近距離對焦。
對於攝影機本身而言，王樹選擇用Panavision XL2拍攝，這是2004年首次釋出的攝影機，在不少電影中被用作主要或次要機位拍攝。
電影拍攝的景深越淺，它就可以在電影的特定畫面中創造出更柔和的區域，這一點可以讓它更容易地將觀眾的注意力轉移到特定場景的特定部分。
除此之外，具有更大的寬容度的膠片曝光不足和曝光過度的區域，比用數字拍攝的畫面會呈現出更多細節和更豐富的色彩。
《愛樂之城》的色彩是電影的重要組成部分，王樹沿用達米恩·查澤雷版本的拍攝方式，利用紅黃藍原色，實現了微妙而令人印象深刻的效果。
八種主要顏色中的每一種，會在觀察它們的人中引起一定的感覺。
暗綠色喚起恐怖，明亮的紅色喚起憤怒，深藍色則喚起悲傷。
這些顏色中的每一種都具有引起略微不同的情緒的變化，並且兩種顏色的混合將引起混合的情緒。
這用於製作濾鏡和顏色分級效果，可以用“情感”對整個場景或電影著色，以在不同的照明和場所中給出一致性的感覺。
影片中的藍色和黃色服飾，就使得演員極為顯眼。
王樹與攝影師們聊了一會兒，又去到艾瑪·斯通所在的地方，給她上課開小灶。
艾瑪·斯通想拿獎，因此特地交代了王樹，希望王樹能儘可能的幫助她將電影中的角色完美的呈現出來。
雖說演員表現的好，本就是導演希望看到的。
但很多導演拍電影，並不是一定追求完美，而是認為所拍的鏡頭合格就算OK。
有些演員的表演，可以呈現的更好。
但，這是一個費力的活。
很可能指導了很久，演員也只是表演的馬馬虎虎。
這種時候，往往合格就算了，懶得浪費時間耗下去。
還有就是呈現的方式，不同的呈現方式營造的畫面效果也不同。
有的呈現方式或許還不錯，卻不代表沒有更好的形式。
(本章完)